El aclamado pintor David Hockney, figura central de la escena artística mundial, falleció este jueves (12) a los 88 años. Conocido por sus exuberantes paisajes, retratos inmersivos y pinturas icónicas de piscinas, el británico ha consolidado su lugar como uno de los gigantes del arte contemporáneo.
Sus representaciones de escenas cotidianas, a menudo representadas en una paleta de colores acrílicos brillantes, le valieron el título de uno de los precursores del arte pop británico. Sin embargo, Hockney nunca se alineó con este movimiento ni con ningún otro, enfatizando que su vasta obra se basó puramente en la observación constante. Creía que el verdadero arte surgía de “mirar, siempre mirar”.
En una entrevista concedida en 2019 en el Museo de Arte Moderno de Luisiana, en Dinamarca, Hockney reflexionó sobre su filosofía. “El mundo es muy, muy hermoso si lo miras, pero la mayoría de la gente no lo hace mucho, ¿verdad?” preguntó. Y añadió: “Ellos simplemente miran el suelo frente a ellos para poder caminar, pero realmente no miran las cosas, increíblemente bien, con intensidad… Yo sí”.
La confirmación de la muerte del artista, que salió pacíficamente de su domicilio el jueves, la hizo su secretaria de prensa, Erica Bolton.
Obra “Peter Saliendo de la Piscina de Nick” y el reconocimiento a David Hockney
Uno de los primeros reconocimientos importantes de David Hockney llegó en 1967, cuando su obra “Peter Getting out of Nick’s Pool” ganó el primer lugar en la prestigiosa exposición John Moores de Liverpool, consolidando su posición en la escena artística.
Nacido en West Yorkshire, Inglaterra, de orígenes humildes, Hockney rápidamente se transformó en una fuerza vibrante en el mundo del arte, inicialmente arrasando en Londres. Luego partió con la ambición de ser el “Piranesi de Los Ángeles”, en alusión al grabador del siglo XVIII que documentó la Italia de su tiempo. Posteriormente, el artista se dedicó a los paisajes ingleses y franceses, con su inquieto intelecto y su desparpajo encaminándolo hacia obras figurativas saturadas de color, alejándolo del expresionismo abstracto o del pop art que dominaba la escena entre muchos de sus contemporáneos.
Hockney perfeccionó su estética singular a través de los viajes y un apetito insaciable por la experimentación, incluido el uso de nuevas tecnologías. Durante más de seis décadas, exploró diversos medios, pintando con óleos, acrílicos y acuarelas, realizando dibujos, creando grabados y desarrollando trabajos en máquinas de fax y fotocopiadoras, así como en iPads y iPhones, mostrando notable adaptabilidad y curiosidad en relación a los medios.
Su versatilidad se extendió al diseño de decorados para obras de teatro y óperas. Usando un iPad, Hockney creó un patrón de flores de espino para una vidriera en la Abadía de Westminster, un tributo al reinado de la reina Isabel II.
La obra de David Hockney para la reina Isabel II en la Abadía de Westminster
Una de las contribuciones notables de Hockney fue el diseño de un vitral para la Abadía de Westminster, conocido como “La Ventana de la Reina”, un homenaje al reinado de la Reina Isabel II.
Con una personalidad irreverente y decidida, Hockney nunca rehuyó pequeñas o grandes controversias. Entusiasta del tabaco desde los 16 años, generó controversia durante la pandemia de Covid-19 al especular públicamente si los fumadores podrían ser inmunes al virus. Aunque era un ávido lector, su ortografía era deficiente, inmortalizando la palabra “té” como “tae” en una pintura de 1961. Incumplió las reglas de la escuela de arte y no ocultó su homosexualidad en un momento en que muchos lo hacían. Cuando la pérdida de audición lo llevó a usar audífonos en la mediana edad, atribuyó a esta condición el hecho de haber agudizado su percepción del mundo que lo rodeaba, enriqueciendo su arte.
Las exposiciones de gran éxito que presentaban las obras más populares de Hockney atrajeron a un número récord de visitantes a los museos. En 2018, su cuadro “Retrato de un artista (piscina con dos figuras)” se vendió por 90,3 millones de dólares, estableciendo en ese momento el precio más alto jamás pagado en una subasta por una obra de un artista vivo. Hockney le quitó el título a Jeff Koons, quien lo recuperó al año siguiente cuando su escultura “Conejo” se vendió por 91 millones de dólares.
También fue ampliamente reconocido por sus retratos, a menudo de parejas, incluidos sus amigos, el escritor Christopher Isherwood y el artista Don Bachardy.
Se exhibe el famoso retrato “El señor y la señora Clark y Percy”
El famoso retrato ‘El señor y la señora Clark y Percy’ fue una de las obras destacadas en la Tate Britain de Londres, como parte de una exposición que abarca 500 años de arte británico.
Entre otros temas explorados por Hockney se encuentran sus perros salchicha, Stanley y Boodgie; amigos como la diseñadora textil Celia Birtwell y el curador Henry Geldzahler; y miembros de la familia, incluidos sus padres. El artista también documentó su propia imagen y físico desde la juventud hasta la vejez, con sinceras representaciones del envejecimiento.
Desde que comenzó a utilizar cámaras Polaroid en la década de 1960, Hockney ha mantenido una intensa relación con la fotografía, capturando miles de imágenes y utilizando algunas en collages y otras creaciones. También trabajó con cámaras de 35 mm y dispositivos digitales, pero siempre sostuvo que la fotografía no podía captar la naturaleza de la misma manera que la pintura.
Nacido en Bradford, Inglaterra, en 1937, Hockney demostró desde muy joven una fascinación por la pintura y la mecánica de mover el pincel del bote al lienzo. En entrevistas, recordó cómo, cuando era niño, quedaba fascinado al ver a su padre usar pintura fresca para renovar bicicletas viejas. Atraído por las clases de arte en la escuela, afirmó que, a los 11 años, ya había decidido que sería artista.
En 1959 se trasladó a Londres para estudiar en el Royal College of Art. En medio de un círculo cosmopolita de profesores y alumnos, experimentó con el expresionismo abstracto, entonces en boga, pero no se adaptó a él.
En el Royal College of Art, Hockney se distinguió como un dibujante superlativo, absorbiendo la formación clásica a su manera. Cuando la institución le concedió su medalla de oro, Hockney aceptó el honor vistiendo un abrigo de lamé dorado.
Durante sus años de estudiante se dedicó al grabado, en parte porque el Royal College of Art cubrió los costes de sus materiales. En exposiciones colectivas, las pinturas de Hockney han ganado premios y la atención de curadores y coleccionistas. Después de graduarse, instaló un estudio en Notting Hill, Londres, que en ese momento era un vecindario en marcado contraste con la zona de moda en la que se ha convertido hoy. En un frenesí productivo, completó pinturas para su primera exposición individual exitosa en diciembre de 1963 en Londres.
David Hockney en su estudio: imágenes de 1967
Una imagen de 1967 muestra a David Hockney en su estudio, rodeado de algunas de sus obras, capturando un momento de su producción artística en el apogeo de su carrera.
El año siguiente marcó un punto de inflexión en su vida. Atraído por el clima y la promesa de nuevas amistades y experiencias, Hockney visitó California. Llegó sin licencia de conducir, según la biografía del artista de Christopher Simon Sykes, y apenas pasó el examen después de una breve lección en la camioneta de un amigo. Le gustaba conducir y, con el paso de los años, pasó del Ford Falcon de 1.000 dólares, en el que inicialmente recorría las carreteras, a vehículos de lujo.
Hockney inmortalizó en sus lienzos las palmeras, las casas modernas y las piscinas de Los Ángeles y Santa Mónica, enamorándose de una región en la que residiría de forma intermitente durante más de cinco décadas.
Sus numerosos proyectos para teatro y ópera comenzaron con los decorados para una reposición de “Ubu Rei” de Alfred Jarry en 1966 en el Royal Court Theatre de Londres.
Hockney, una celebridad transatlántica desde la década de 1960, tenía una figura elegante con toques irreverentes como pajaritas sueltas, bufandas, gorras y pañuelos de bolsillo. Las gafas grandes y redondas, a menudo con pesadas monturas negras, eran otra de sus señas de identidad. En 1961, un anuncio del tinte para el cabello Lady Clairol lo inspiró a transformar su cabello naturalmente oscuro en rubio platino.
El enfoque multidisciplinar de Hockney: del escenario al collage fotográfico
El enfoque multifacético de Hockney hacia el arte abarcó desde el diseño de decorados de ópera hasta la creación de complejos collages a partir de fotografías, lo que demuestra su vasta exploración de diferentes medios y técnicas.
Hockney era propenso a largas sesiones en el estudio, especialmente a medida que su vida romántica se hacía más intensa. La separación de su socio, Peter Schlesinger, a principios de la década de 1970 impulsó un período extremadamente productivo que resultó en pinturas como “Retrato de un artista (piscina con dos figuras)”.
A medida que las exposiciones, los libros y las retrospectivas cimentaban su fama, Hockney dependía cada vez más de los viajes (a París y otros lugares) para poder trabajar sin interrupciones, antes de que los amigos y otros compromisos llenaran su agenda.
En sus últimos años, su enfoque artístico se trasladó de California a Europa, motivado por un renovado interés por la pintura al aire libre. La naturaleza, y los árboles en particular, se convirtieron en su obsesión. Hockney regresó a Inglaterra en 1997 para su primera estancia prolongada en décadas, dedicando horas a conducir, admirar y pintar el paisaje de Yorkshire. Regresó en 2004, pasó un verano creando acuarelas del paisaje y continuó representando las siguientes temporadas al óleo.
