O músico Pepper Keenan, conhecido por seu trabalho com o Corrosion of Conformity, relembrou em 12 de agosto de 2026, o impacto e a surpresa que o tomaram ao receber um convite para testar como guitarrista provisório do Metallica, em 1992.
Este cenário se desenrolou depois que James Hetfield sofreu queimaduras sérias em um incidente com pirotecnia no palco, o que o impediu de tocar seu instrumento.
A equipe de gerenciamento do Metallica, Q Prime, iniciou uma busca urgente por um guitarrista substituto para garantir a continuidade da turnê da banda, que contava com a participação do Guns N’ Roses. Foi nesse momento que Keenan, que também estava em turnê, surgiu como uma opção.
Keenan relatou ao Garza Podcast em um episódio recente: “Meu telefone tocou no meu hotel às três da manhã, e era a Q Prime. Quer dizer, ‘Como vocês sabiam que eu estava aqui e em qual hotel?’”
Ele complementou, afirmando que a equipe “estava sondando o terreno”. Keenan expressou suas dúvidas na época: “Eu disse tipo, ‘Cara, para começar, é uma turnê em estádios. O Metallica nunca esteve tão entrosado em toda a sua vida. E vocês querem que uns idiotas venham tentar ser o Hetfield? É isso que vocês estão dizendo?’ E eles responderam: ‘Sim’.”
Apesar das incertezas, Keenan aceitou a proposta para a audição. Antes, porém, ele precisou informar seu colega de turnê, Henry Rollins. Ele disse que o material do Metallica foi enviado por fax diretamente para o quarto do hotel: “Tive que ir contar para Henry Rollins. Eu fiquei tipo, ‘Não sei como explicar isso, Sr. Rollins…’. E voei para Denver, Colorado, no dia seguinte.”
O músico ainda mantinha suas reservas, comentando: “Isso é conversa fiada. Quer dizer, eles estão perdendo um milhão de dólares por dia sem jogar. Isso era coisa séria. E eu sou um cara de 20 anos sentado no lugar deles em Denver, Colorado – um bunker ultrassecreto.”
A inesperada revelação sobre James Hetfield durante o teste
Keenan descobriu que Hetfield estava presente, pois o melhor centro de tratamento de queimaduras dos Estados Unidos ficava nas proximidades. “Hetfield estava lá porque o melhor centro de tratamento de queimaduras dos Estados Unidos ficava perto. Eu pensei: ‘Isso é o máximo!’” Keenan descreveu o ambiente como “intenso” e sua principal preocupação era a pressão de “aprender tantas músicas tão rápido e tão bem.”
Mais sobre o assunto: Pepper Keenan relembra o convite inusitado para substituir James Hetfield no Metallica em 1992
Ele afirmou: “Eu disse: ‘Cara, isso não vai acontecer.’ … E acho que no fim das contas, eles pediram para o técnico dele fazer isso.”
Um ponto positivo inesperado para Keenan, que, futuramente, faria um teste para a vaga de Jason Newsted no Metallica, foi saber que Hetfield o havia considerado como uma possível solução para a situação de 1992. “E nos tornamos amigos depois disso”, contou Keenan.
Álbuns conceituais que marcaram o rock por sua excentricidade
A seguir, apresentamos uma seleção de discos que se destacaram por suas propostas mais incomuns, enredos complexos e sonoridades fora do padrão dentro do universo do rock.
“SF Sorrow” do The Pretty Things e sua narrativa mística de 1968
Lançado após a “mini-ópera” do The Who, “A Quick One, While He’s Away”, mas precedendo o primeiro álbum duplo de ópera rock da mesma banda, “Tommy”, “SF Sorrow” é largamente reconhecido como a primeira ópera rock da história. O trabalho do The Pretty Things narra a trajetória de seu personagem principal, Sebastian, desde seu nascimento e adolescência até uma jornada espiritual e melancólica, com a história contada através das notas internas do encarte. No entanto, o disco não figurou nas paradas do Reino Unido e só chegou aos Estados Unidos em 1969, por meio do selo Rare Earth da Motown, que focava no rock, e não encontrou grande audiência na época.
A ousada “Gazeta da Vida” do Four Seasons em 1968
A sonoridade pop AM do Four Seasons, com forte influência doo-wop, começou a parecer antiquada no cenário musical que sucedeu “Sgt. Pepper’s”. Contudo, o grupo tentou mudar essa percepção com “The Genuine Imitation Life Gazette”, de 1969. Este álbum era uma fusão de disco conceitual e arte pop, com uma capa que simulava um jornal. Suas canções eram unidas pela naturalidade das vivências cotidianas. Com uma abordagem musical arrojada e toques psicodélicos, as letras eram precisas, abordando temas como nascimento, morte, amor e divórcio. Representou um esforço autêntico para exibir um aspecto mais profundo dos Jersey Boys, ainda não totalmente apreciado cinco décadas depois. O produtor Bob Gaudio incorporou os aprendizados deste trabalho em seu projeto subsequente: “Watertown”, álbum conceitual de Frank Sinatra de 1970.
“Battle of the Bands” do The Turtles: Um ano de pseudônimos em 1968
Doze meses após os Beatles apresentarem-se como outra banda em “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, o The Turtles ampliou essa ideia. Todas as faixas de “The Turtles Present the Battle of the Bands” foram gravadas sob identidades falsas, como Atomic Enchilada, Cross Fires e Chief Kamanawanalea and his Royal Macadamia Nuts. Este disco garantiu ao The Turtles seus dois últimos sucessos no Top 10: “Elenore”, creditada a Howie, Mark, Johny, Jim & Al, e “You Showed Me”, atribuída a Nature’s Children.
“Ogdens’ Nut Gone Flake” de Small Faces e a busca pela metade da lua em 1968
Os Small Faces dedicaram a segunda metade de “Ogdens’ Nut Gone Flake” a uma suíte de seis músicas intitulada “Happiness Stan”, um conto de fadas psicodélico e imaginativo sobre um homem que procura a metade desaparecida da lua. O ator britânico Stanley Unwin foi convidado para realizar as narrações entre as faixas. Todo o álbum foi embalado em uma lata de metal redonda, inspirada na marca de tabaco que o próprio título fazia uma paródia.
A “Filosofia do Mundo” do The Shaggs: Obscuridade e influência no rock em 1969
Composto pelas irmãs Dorothy, Betty e Helen Wiggin, o The Shaggs era um trio enigmático e peculiar que esteve à beira do esquecimento. O pai delas, certo do talento das filhas, as levou a um estúdio em 1969 para registrar o LP “Philosophy of the World”. Lançado pelo próprio selo da banda, Third World, o disco não obteve êxito comercial. Em 1980, os admiradores Terry Adams e Tom Ardolino, do NRBQ, convenceram a Rounder Records a relançar esta obra esquecida. “Melhor que os Beatles – mesmo hoje”, declarou Frank Zappa na contracapa do LP. A canção que dá nome ao álbum explora a ideia de que “os ricos querem o que os ricos querem, e os pobres querem o que os ricos querem”, traçando paralelos entre diferentes grupos antes de concluir que “você nunca consegue agradar a todos neste mundo”. Posteriormente, elas questionam “Quem são os pais?”, antes de apresentar a narrativa de “My Pal Foot Foot”. No final, as irmãs se conformam com essa visão de mundo, proclamando “Temos um Salvador”. Suas observações líricas eram fascinantes, e musicalmente, elas inspiraram o Sonic Youth e diversas outras bandas de indie rock com suas peculiares afinações de guitarra.
“Blows Against the Empire”: A jornada espacial de Paul Kantner em 1970
Com a saída de Spencer Dryden do Jefferson Airplane, Paul Kantner lançou um trabalho solo que contou com a participação de todos os outros integrantes da banda, exceto o vocalista Marty Balin. Creditado a Kantner e ao Jefferson Starship — que viria a se consolidar como grupo apenas em 1974, após a separação do guitarrista Jorma Jaukonen e do baixista Jack Casady —, “Blows Against the Empire”, de 1970, fundiu os ideais da contracultura com a exploração espacial. O enredo narra uma comuna hippie, cansada do governo, que rouba uma nave espacial para criar uma sociedade utópica no espaço. Além dos colegas do Airplane, Kantner teve a colaboração de David Crosby, Graham Nash e três integrantes do Grateful Dead.
O icônico “Thick as a Brick” do Jethro Tull: Uma sátira que virou clássico em 1972
Depois que “Aqualung” foi classificado pela crítica musical como um álbum conceitual, em desacordo com a perspectiva de Ian Anderson, o Jethro Tull decidiu ironizar o gênero em seu projeto seguinte. Em “Thick as a Brick”, Anderson criticou a mídia especializada, os admiradores da banda e até o próprio grupo ao longo de toda a obra. Seja uma paródia ou não, o público amou. Com uma única faixa de 44 minutos preenchendo ambos os lados de um LP, não havia como lançar singles. Ainda hoje, é considerado um dos pontos altos da carreira do Jethro Tull. Segundo Anderson, em uma entrevista ao Bravewords, o principal trunfo do álbum é seu humor, que permanece discreto o suficiente “para que você não se irrite com o álbum por ser muito artístico, muito inteligente, muito bombástico”. Ao satirizar os álbuns conceituais, Anderson e sua banda acabaram criando um dos maiores exemplos do gênero.
A complexidade de “Tales From Topographic Oceans” do Yes em 1973
Após o ambicioso “Close to the Edge”, o Yes se aprofundou em um complexo álbum duplo conceitual chamado “Tales From Topographic Oceans”. A obra, composta por quatro longas faixas, acabou por confundir os ouvintes. “The Revealing Science of God” era uma proposta muito distante de “Good Golly Miss Molly”, e a ausência de melodias marcantes, somada a um conceito pouco claro, acabou dividindo parte da base de fãs do Yes. Mas qual era, de fato, o conceito? Ele estava relacionado ao interesse do vocalista Jon Anderson em Yogi Paramahansa Yogananda e textos hindus. O tecladista Rick Wakeman teve dificuldades para compreender a proposta, chegando a comentar durante um show solo: “Alguma vez eu fiquei bêbado no palco? Era o único jeito de eu conseguir tocar ‘Tales From Topographic Oceans’”. Ele deixou a banda pouco tempo após a turnê de divulgação do álbum.
A fé em “The Plan”: A incursão dos Osmonds na música espiritual em 1973
A origem e criação dos Osmonds na fé mórmon eram de conhecimento público, e em “The Plan”, de 1973, eles buscaram incorporar totalmente sua crença à sua arte musical. O “plano” abordado aqui é o da salvação através de Jesus Cristo, conforme detalhado no Livro de Mórmon. Iniciando com “War in Heaven” e progredindo até a faixa final “Goin’ Home”, o álbum é repleto de canções inspiradas na fé, todas compostas, executadas e cantadas pelos irmãos. A obra mergulha em suas harmonias doces, com alguns trechos verdadeiramente envolventes. Faixas como “Traffic in My Mind” e “The Last Days” exemplificam isso. Embora “The Plan” não atinja o mesmo nível de “Crazy Horses”, de 1972, o disco demonstrou que os Osmonds eram um grupo com muito mais profundidade do que as publicações da época costumavam indicar.
“Soap Opera” dos Kinks: Um músico em busca do sentido da vida em 1975
Criado próximo ao encerramento da extensa era de álbuns conceituais do The Kinks, “Soap Opera” narra a trajetória de Starmaker, um músico que decide trocar de lugar com uma pessoa comum, Norman, para obter uma nova compreensão sobre o real significado da existência. Ele se depara com a tensão entre a fortuna e a notoriedade, além de uma rotina mundana que o aguarda. Com a inclusão de uma seção de metais, entre outros elementos, “Soap Opera” abriga uma das visões mais ambiciosas de Ray Davies. Lançado em meados de 1975, o álbum não conseguiu cativar nem o público nem as emissoras de rádio. Embora seja uma obra um tanto esquecida na vasta discografia da banda, “Soap Opera” possui seus momentos, mesmo que por vezes pareçam um pouco excessivos.
O ruído experimental de “Metal Machine Music” de Lou Reed em 1975
Por que “Metal Machine Music”, de Lou Reed, um álbum duplo instrumental sem letras, aparece nesta lista de álbuns conceituais? Porque sua própria existência é um conceito. Composto por quatro lados de feedback ininterrupto, ruído de guitarra e efeitos sonoros, o álbum tem o poder de fazer as pessoas fugirem em pânico ou de as levar a contemplar a profunda declaração artística que Reed estava propondo. A revista Rolling Stone classificou-o como “um ato de provocação, uma afronta”, argumentando que era “irremediavelmente antiquado” e que, “após uma década de ultrajes estéticos, quatro lados do que soa como o gemido tubular de uma geladeira galáctica simplesmente não vão inflamar a burguesia”. Até hoje, a obra continua a provocar reações intensas, mas a questão permanece: quem teve a última risada? Aqueles que ridicularizaram Reed e sua “arte” conceitual, ou o próprio Reed?
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“Music From The Elder” do Kiss: A incursão no bem e no mal em 1981
Após a leitura de um conto de autoria do baixista e vocalista Gene Simmons, o produtor Bob Ezrin teve a inspiração de desenvolver um álbum conceitual para o Kiss. Afinal, qual era o enredo de “Music From the Elder”? Tratava-se da luta entre o bem e o mal, com o surgimento de heróis. Simmons explicou à Classic Rock em 2016 que “Os Anciãos são uma forma de vida sem corpo. Eles são benevolentes, mas comprometidos com o equilíbrio dos opostos. E quando a escuridão se torna muito forte, um herói nasce para restaurar o equilíbrio.” O single “World Without Heroes” foi cocomposto com Lou Reed. O público não estava habituado a ver seus ídolos mascarados em um registro tão introspectivo. O engenheiro de som Rob Freeman compartilhou sua visão sobre o trabalho: “Achei que foi uma tentativa ousada de algo intrigante. É verdade que não exalava o som típico do Kiss, mas sim era sutilmente impregnado com ele.”
“Space Jazz”: A trilha sonora de ficção científica de L. Ron Hubbard em 1982
L. Ron Hubbard, escritor de ficção científica e fundador da Igreja da Cientologia, concebeu uma trilha sonora para seu livro “Campo de Batalha Terra”. Ele compôs a música e convidou instrumentistas renomados como o pianista de estúdio Nicky Hopkins e os ícones do jazz Chick Corea e Stanley Clarke, todos eles membros da igreja. Os arranjos de teclado conferem ao álbum uma sonoridade característica do início dos anos 80. Apesar do grande talento envolvido, o produto final é uma fusão que lembra um musical, um programa infantil da PBS e a trilha sonora de um filme catástrofe.
A “Jornada pela Vida Secreta das Plantas”: Stevie Wonder explora o instrumental em 1979
Depois de redefinir o R&B com cinco álbuns lançados entre “Music of My Mind” (1972) e “Songs in the Key of Life” (1976), o projeto seguinte de Stevie Wonder foi a trilha sonora do documentário “The Secret Life of Plants”. O álbum era majoritariamente instrumental, e as poucas faixas com letra, à exceção do êxito “Send One Your Love”, baseavam-se no material original e se afastavam consideravelmente das canções de amor e das observações sociais presentes em suas produções mais aclamadas. Embora Wonder não tenha enfrentado grandes perdas comerciais, ele não alcançou novamente o mesmo auge artístico de seus trabalhos do começo e meio dos anos 1970.
“Kilroy Was Here” do Styx: Paranoia e diferenças criativas em 1983
No final dos anos 70, o Styx já desfrutava de grande reconhecimento com êxitos como “Lady” e “Come Sail Away”. A banda havia explorado o território dos álbuns conceituais com “Paradise Theater”, de 1981, e o vocalista Dennis DeYoung nutria uma visão ambiciosa para o próximo projeto. “Kilroy Was Here” se concentrava em uma narrativa sobre a crescente preocupação com os supostos malefícios do rock e as mensagens potencialmente perigosas transmitidas à juventude global. DeYoung idealizou um espetáculo completo, que incluía um filme, para contar a história. No entanto, uma turnê expôs as divergências criativas entre DeYoung e os demais integrantes do Styx, levando o guitarrista Tommy Shaw a deixar o grupo no meio da jornada.
A sátira bizarra de “Thing-Fish” de Frank Zappa em 1984
Frank Zappa era conhecido por seus álbuns conceituais satíricos, mas “Thing-Fish” se destacou por sua excentricidade até mesmo para seus próprios padrões. Concebido como um musical da Broadway que abordava uma doença similar à AIDS, criada para atingir negros e gays, o álbum triplo utilizava estereótipos de afro-americanos, homens gays, feministas e protestantes brancos anglo-saxões. A MCA, distribuidora da gravadora Barking Pumpkin de Zappa, recusou-se a distribuir o álbum, levando o artista a firmar um contrato para um único LP com a Capitol. O musical, no entanto, nunca chegou a ser produzido em vida por Zappa.
A história alternativa e o ocultismo em “Imaginos” do Blue Öyster Cult em 1988
Mais de vinte anos após Sandy Pearlman ter desenvolvido uma série de poemas e roteiros batizada de “The Soft Doctrines of Imaginos” (As Doutrinas Suaves de Imaginos), a banda que ele agenciava e para a qual escrevia as letras, Blue Öyster Cult, transformou esses textos em música. “Imaginos” inicia em 1804 em New Hampshire e busca construir uma narrativa alternativa para os duzentos anos seguintes, integrando temas como ocultismo, astrologia, a Primeira Guerra Mundial e outros elementos, tudo sob a ótica do personagem principal, que possui superpoderes. A intenção inicial era que a obra fosse uma trilogia de álbuns duplos, mas apenas um LP foi efetivamente lançado.
“Cyberpunk” de Billy Idol: A fusão de tecnologia e música em 1993
A fase de grande sucesso de Billy Idol teve um ponto de virada quando ele deixou de lado sua tradicional fusão de música dance e hard rock para adotar batidas eletrônicas e samples em “Cyberpunk”, de 1993. A narrativa do álbum, apresentada por meio de trechos falados entre as canções, nasceu do crescente fascínio de Idol pelos trabalhos de William Gibson e outros autores cujas obras abordavam a influência cada vez mais presente da tecnologia no alvorecer da era da internet. Idol só voltaria a lançar um álbum de estúdio doze anos depois.
A vida fictícia de Chris Gaines: Garth Brooks e seu alter ego roqueiro em 1999
Com o desejo de expandir seus horizontes após se consolidar como o artista country de maior sucesso em vendas, Garth Brooks deu vida a um alter ego chamado Chris Gaines. Este roqueiro australiano, com franja desgrenhada e cavanhaque, ganhou um álbum, “The Life of Chris Gaines”, que foi imaginado como uma coletânea dos maiores sucessos de um astro fictício. Brooks tinha ambições grandiosas para Gaines, incluindo um filme intitulado “The Lamb”. Ele introduziu sua criação por meio de um especial no VH1 e uma aparição no programa “Saturday Night Live”. Apesar do sucesso de “Lost in You”, que alcançou o Top 5, a mudança afastou seus fãs de música country, e a cena rock, de maneira geral, não demonstrou grande entusiasmo.
“Nostradamus” do Judas Priest: A vida de um profeta em 2008
Michel de Nostredame, hoje conhecido como Nostradamus, foi um francês do século XVI cujo livro “Les Propheties” é frequentemente interpretado como uma antevisão precisa de eventos da história moderna. Em 2008, o Judas Priest considerou que a vida de Nostradamus seria um tema ideal para seu primeiro álbum conceitual. Contudo, os admiradores da banda ficaram insatisfeitos com o trabalho, não tanto pelo conceito em si, mas pela sua realização, que apresentou baladas sem brilho e arranjos que privilegiavam teclados e cordas.